Les 100 meilleurs films britanniques de tous les temps

En regardant notre sélection des 100 plus grands films britanniques du siècle dernier, vous constaterez que la Grande-Bretagne excelle dans les genres que vous attendez (évier de cuisine, drame d’époque, satire obsédée par la classe) ainsi que beaucoup que vous ne voudriez pas (étrange science-fiction, horreur contemporaine glaciale).

Que vous vous soyez complètement auto-isolé du coronavirus ou que vous souhaitiez simplement passer une agréable soirée entre amis, voici les films locaux indispensables à regarder, répertoriés dans l’ordre de leur réalisation.

1. La vie privée d’Henry VIII (Alexander Korda, 1933)

Le film qui a fait de Korda le premier producteur-réalisateur de son époque et Charles Laughton en une star internationale primée aux Oscars, c’est ainsi que les biopics d’époque devraient être réalisés: avec des bandes dessinées, une théâtralité débridée et une désinvolture cavalière, faisant le point sur l’histoire. Catherine d’Aragon est entièrement omise pour être trop terne; faire un pas en avant Merle Oberon comme Anne Boleyn et Elsa Lanchester comme une Anne de Clèves hystérique. Il a toujours une valeur de divertissement satirique qui n’est pas loin de Blackadder-esque.

2. Les 39 étapes (Alfred Hitchcock, 1935)

Il y a eu quatre versions cinématographiques majeures du thriller de l’écossais John Buchan en 1915, The Thirty-Nine Steps, mais le meilleur du quatuor est le merveilleux film inventif d’Alfred Hitchcock de 1935. L’histoire – d’un homme innocent accusé de meurtre poursuivi à la fois par la police et un réseau d’espionnage mortel – a attiré l’amour de Hitchcock pour la paranoïa et l’homme en fuite.

3. Sabotage (Alfred Hitchcock, 1936)

Hitchcock a pris un grand roman édouardien, sur un terroriste incompétent et sa femme crédule, et l’a réduit à 76 minutes vertigineuses. Le résultat est une énigme éclatante d’un film, ponctuée d’images inquiétantes et de bribes de discours obsédantes.

4. La Dame disparaît (Alfred Hitchcock, 1938)

Le film qui a catapulté Hitchcock à Hollywood était l’avant-dernier et peut-être aussi le meilleur qu’il ait réalisé en Grande-Bretagne. Dans ce thriller comique aux éclairs, les voyageurs d’armes de Margaret Lockwood et Michael Redgrave peignent leur train pour un autre passager disparu que tout le monde insiste qu’ils n’ont jamais vu – un mystère central fascinant dont Hitchcock autorise toutes sortes de secrets et de tromperies à l’araignée – Web.




Anton Walbrook et Diana Wynyard dans Thorold Dickinson’s Gaslight (1940)

5. Gaslight (Thorold Dickinson, 1940)

Lorsque MGM refait cela quatre ans plus tard dans leur version George Cukor / Ingrid Bergman, Louis B Mayer a essayé d’acheter et de graver toutes les copies du film britannique, de peur que cela ne soit comparé à des comparaisons désobligeantes. Heureusement, j’ai échoué. Le sous-estimé Dickinson, bien soutenu par Martin Scorsese, a fait un travail beaucoup plus tendu, laconique et économique avec la pièce de Patrick Hamilton au sujet d’un mari sournois essayant de rendre sa femme folle. En tant qu’image élégante de suspense, elle tient le coup avec Hitchcock: la détresse affinée de Diana Wynyard et le portrait inoubliable d’Anton Walbrook sur le sadisme conjugal rusé en font un gardien.

6. Cette femme de Hamilton (Alexander Korda, 1941)

Le weepie brillant de 1941 d’Alexander Korda sur la relation entre Horatio, Lord Nelson et Emma, ​​Lady Hamilton était censément le film préféré de Winston Churchill. En prime, cela implique la romance tragique entre Vivien Leigh et son mari Laurence Olivier dans leur dernier jumelage d’écran. Au-delà de cela, Leigh donne sa performance la plus sous-estimée dans That Hamilton Woman en incarnant merveilleusement la victime tragique au point culminant du film: en écoutant le récit de Hardy de Trafalgar frappé d’horreur aux nouvelles qu’il retient si clairement. Les dimanches après-midi pluvieux devraient avoir tout cela à portée de main.

7. La vie et la mort du colonel Blimp (Michael Powell et Emeric Pressburger, 1943)

Quarante ans d’amour et de guerre pèsent sur un homme et sa nation dans le drame dramatique magistral de Powell et Pressburger sur un héros de la guerre des Boers (Roger Livesey) dont les idéaux élégants sont de plus en plus en contradiction avec le monde qu’il combat pour défendre. Étoffé au moment de sa sortie au plus fort de la Seconde Guerre mondiale, il convient que le plus grand film jamais réalisé sur le flux et le reflux de l’histoire ait été si bien justifié.

8. Brève rencontre (David Lean, 1945)

Il faudrait avoir un cœur de pierre pour ne pas pleurer à la fin de Brief Encounter, le récit de Lean de l’histoire d’amour si terriblement britannique – et douloureusement non consommée – entre la ménagère réprimée de la classe moyenne Laura (Celia Johnson) et le Dr Alec Harvey (Trevor Howard), un inconnu qu’elle rencontre par hasard dans une gare. Le script, basé sur la pièce en un acte de Still Life de Noel Coward, est imprégné d’une délicatesse poignante et pointue, évoquant la façon dont des gens qui n’ont pas l’habitude de céder aux sentiments peuvent soudainement se retrouver vaincus. Mais le film appartient vraiment à Johnson: c’est sa voix magnifiquement expressive (et de nos jours presque comiquement raffinée), et ses yeux énormes et éloquents qui martèlent vraiment l’émotion déchirante.

9. «Je sais où je vais!» (Michael Powell et Emeric Pressburger, 1945)

La beauté époustouflante des îles écossaises fournit une toile de fond mythique à cette comédie romantique sage et merveilleuse de Powell et Pressburger: le lien manquant entre les films plus réalistes des réalisateurs en temps de guerre et les merveilles lyriques luxuriantes qui suivraient. Wendy Hiller incarne la citadine à l’ascension sociale qui s’échoue sur l’île de Mull peu avant son mariage avec un riche industriel, où elle découvre, avec l’aide du jeune laird affable de Roger Livesey, que toutes les richesses ne sont pas matérielles.




Martita Hunt dans le rôle de Miss Havisham dans Les grandes attentes de David Lean (1946)

10. De grandes attentes (David Lean, 1946)

Dès les prises de vue désolées des marais du Kent – la glorieuse cinématographie de Guy Green a remporté l’un des deux Oscars – l’approche de David Lean ici est tout contraste: innocence contre expérience, lumière contre obscurité. Le scénario est une merveille d’économie narrative, avec juste la bonne quantité de voix off enrichissante de Pip adulte de John Mills, mais pas tellement que l’importance de raconter l’histoire visuellement est jamais négligée.

11. Une question de vie ou de mort (Michael Powell et Emeric Pressburger, 1946)

Le chef-d’œuvre de Powell et Pressburger de 1946: David Niven est le pilote de bombardier de la Seconde Guerre mondiale cité par Walter Raleigh, qui fait face à une mort certaine avec une lèvre supérieure raide («Si longtemps Bob, je te vois dans une minute»), qui tombe amoureux de son derniers moments avec la radio américaine June (Kim Hunter), trompe temporairement la mort et fait face à un procès dans l’au-delà pour savoir s’il est autorisé à rester sur Terre. La cinématographie lumineuse de Jack Cardiff et ses effets spéciaux surprenants, tels que l’escalator en mouvement vers «l’autre monde», rendent cette romance aussi étrange et enchantée qu’une œuvre cinématographique comme vous le verrez probablement.

12. Narcisse noir (Michael Powell et Emeric Pressburger, 1947)

Cinquante nuances de gris ne peuvent que rêver d’être une œuvre aussi érotique que l’histoire de Powell et Pressburger sur le désir réprimé et les passions frémissantes au sein d’une communauté de religieuses dans un couvent de l’Himalaya. La cinématographie de Jack Cardiff, avec ses intérieurs riches et sombres et ses montagnes peintes sur verre, est parmi les plus belles du film.

13. Les chaussures rouges (Michael Powell et Emeric Pressburger, 1948)

Martin Scorsese a supervisé le processus de restauration de deux ans pour la nouvelle copie reçue avec extase de l’une des grandes merveilles du cinéma britannique, le chef-d’œuvre hallucinant de Powell et Pressburger sur la danse, la mort et tout le reste.

14. Kind Hearts and Coronets (Robert Hamer, 1949)

Kind Hearts and Coronets est une comédie noire filmée sous un soleil radieux, un morceau sans cœur cool joué pour rire, avec une intrigue secondaire préoccupée par l’amour. Sa surface élégante – même l’homicide ne remet pas en cause l’éclat vestimentaire de Louis – masque des motifs et des vérités moches: le film nous ose désapprouver. C’est un travail d’une immense sophistication qui combine le moderne étonnant et le démodé à l’évidence. Pour le réalisateur Robert Hamer, ce serait le seul film de la poignée qu’il a réalisé qui lui garantirait l’immortalité.




Joseph Cotton et Orson Welles dans Le troisième homme de Carol Reed (1949)

15. Le troisième homme (Carol Reed, 1949)

Peut-être le plus grand thriller à sortir du cinéma britannique d’après-guerre, l’adaptation de Carol Reed du roman de Graham Greene (le deuxième après The Fallen Idol de 1948) scintille d’intrigue et de suspense partout. Tourné sur un film 35 mm noir et blanc lumineux, le travail photographique évocateur de Robert Krasker met en valeur les ruelles de Vienne ainsi qu’une brillante performance d’Orson Welles en opportuniste Harry Lime.

16. The Dam Busters (Michael Anderson, 1954)

Ce conte classique de la valeur britannique en temps de guerre a été le film le plus réussi au box-office britannique en 1955. Michael Redgrave joue le rôle du concepteur aéronautique réel Barnes Wallis qui a inventé la bombe rebondissante qui a été utilisée pour percer les barrages ennemis pendant les raids nocturnes. Bien que nous sachions tous comment cela se termine, les scènes où nous voyons la bombe en action sont vraiment saisissantes. Richard Todd donne également une performance charismatique en tant que commandant d’escadre Guy Gibson.

17. The Ladykillers (Alexander Mackendrick, 1955)

Le scénariste américain William Rose a prétendu avoir rêvé de tout le scénario de cette comédie noire d’Ealing, et l’intrigue de cette hilarante câpre de Londres est certainement surréaliste. Katie Johnson joue le rôle de Mme Wilberforce, perplexe, qui s’échappe de sa maison déséquilibrée pour informer la police de crimes fantastiques. Bien sûr, quand un gang de gangsters – déguisé en membres d’un quatuor à cordes – prend sa résidence avec son perroquet parlant, les bobbies ne la croient pas.

18. Le pont sur la rivière Kwai (David Lean, 1957)

Alec Guinness a été sensationnel en tant que lieutenant-colonel Nicholson, remportant les Oscars, Bafta et Golden Globe du meilleur acteur pour sa performance de 1957 dans The Bridge on the River Kwai. Le film a été réalisé par David Lean mais ce fut une expérience malheureuse pour Guinness. Le couple ne s’est pas parlé du tout pendant une période de 48 heures pendant le tournage au Sri Lanka et Guinness a écrit plus tard que Lean « s’entourait de sycophants » et « n’avait aucun sens de l’humour ».

19. La nuit du démon (Jacques Tourneur, 1957)

M. James est le plus grand praticien de l’histoire des fantômes anglais: ironique, alors, qu’il a fallu un réalisateur français et de l’argent américain pour capturer son esprit à l’écran, avec certaines des meilleures utilisations des lieux de Londres depuis le début de Hitchcock. The Ring et, plus tard, It Follows ont emprunté un indice à ce complot de passe-partout: Dana Andrews est la psychologue sceptique qui verrouille les cornes avec un adorateur du diable urbain (le fabuleux Niall MacGinnis) tandis qu’un démon médiéval noueux souffle dans le cou.




Christopher Lee dans Dracula de Terence Fisher (1958)

20. Dracula (Terence Fisher, 1958)

Il y a eu d’innombrables imitations, mais aucune ne peut poser un gant taché de sang sur l’adaptation de Terence Fisher au roman effrayant de Bram Stoker. Christopher Lee incarne le comte assoiffé de sang, tout caillant la terreur et connaissant l’humour, tandis que Peter Cushing fournit un soutien solide en tant que Abraham Van Helsing. Un classique captivant.

21. Peeping Tom (Michael Powell, 1960)

Les critiques ont méprisé Peeping Tom lors de sa sortie, en grande partie en raison des habitudes de son personnage principal: Mark Lewis (Carl Boehm), un cinéaste amateur contraint de tuer des femmes et d’obtenir un coup de pied en filmant les expressions horrifiées sur leurs visages à mesure qu’elles arrivent. Réalisez leur sort. Mais les critiques contemporains ont peut-être négligé en 1960 que le voyeurisme était son thème central. Mais qui est le voyeur? Avant sa mort en 1990, Powell a vu la réputation de Peeping Tom augmenter et augmenter. Il est aujourd’hui considéré comme un film clé de l’histoire du cinéma britannique et l’un des plus grands films d’horreur de tous les temps.

23. Samedi soir et dimanche matin (Karel Reisz, 1960)

Il est facile d’oublier à quel point Albert Finney était sexy. Dans le premier long métrage de Karel Reisz, il incarne un ouvrier d’une usine amorale qui refuse de s’incliner devant le système mais n’est pas assez intelligent pour voir qu’il y est quand même piégé. Rachel Roberts, en tant que femme mariée qu’il tombe enceinte, est sensationnelle, et le dialogue d’Alan Sillitoe crépite assez.

24. Les Innocents (Jack Clayton, 1961)

Une adaptation du tour de vis d’Henry James, The Innocents reste l’un des films d’horreur les plus effrayants et effrayants jamais réalisés, ainsi que l’un des premiers à exploiter les qualités «effrayantes» des jeunes enfants. Deborah Kerr est excellente en tant que gouvernante de pépinière isolée, Mlle Giddens, qui commence à soupçonner que son prédécesseur décédé n’est pas aussi mort qu’il n’y paraît, et que tout n’est pas comme il le devrait avec ses jeunes accusations … Répression sexuelle, obsession et lentement- la folie rampante a rarement été aussi bien représentée.




Peter O’Toole dans Lawrence d’Arabie de David Lean (1962)

25. Lawrence d’Arabie (David Lean, 1962)

Il y a eu de nombreuses tentatives pour dépeindre la figure extraordinaire et énigmatique de TE Lawrence – un jeune officier de l’armée anglaise flamboyant qui a inspiré et dirigé une armée arabe contre les Turcs – bien qu’aucune n’ait été aussi réussie que le classique de David Lean en 1962. Un débutant comme Lawrence, Peter O’Toole canalise un personnage vraiment complexe qui est impitoyable, charismatique et, parfois, se déteste.

26. La solitude du coureur de fond (Tony Richardson, 1962)

Basé sur la courte histoire du même nom d’Alan Sillitoe, le film du réalisateur Tony Richardson suit un jeune garçon qui est envoyé dans un borstal après avoir été impliqué dans un vol de boulangerie et trouve du réconfort dans son talent pour la course longue distance. Tom Courtney est superbe en tant que garçon rebelle de Borstal Colin Smith et bien que le film soit précieux en tant qu’histoire sociale, il conserve sa vitalité.

27. Cette vie sportive (Lindsay Anderson, 1963)

Le premier long métrage de Lindsay Anderson est l’un des films les plus forts à émerger du mouvement des éviers de cuisine qui a balayé le cinéma britannique dans les années 60. Richard Harris joue le rôle de Frank Machin, une star montante de la ligue de rugby, qui entre dans une liaison difficile et angoissante avec sa propriétaire veuve Margaret Hammond (Rachel Roberts). Roberts offre la meilleure performance de sa courte carrière, tandis que les scènes de mêlée restent parmi les meilleures représentations de sport jamais capturées sur celluloïd.

28. De la Russie avec amour (Terence Young, 1963)

Le câlin du réalisateur Terence Young en 1963 était la deuxième sortie de James Bond. Favorisant généralement la claustrophobie de l’Orient Express en direction ouest par rapport aux décors grandioses, il a un méchant de premier ordre (Rosa Klebb de Lotte Lenya), un homme de main (Donald Shaw de Donald «Red» Grant) et une fille (Daniela Bianchi comme Tatiana Romanova), pas pour mentionner le puissant Connery dans son apogée panthère. L’intrigue est délicieusement absurde et cette longue section sur le train crépite positivement de tension, explosant finalement dans une séquence de combat qui est toujours inégalée dans le canon 007.

29. Zoulou (Cy Enfield, 1964)

La bataille de la dérive de Rorke, au cours de laquelle 150 soldats britanniques ont finalement vaincu 4 000 guerriers zoulous, prend vie dans le chef-d’œuvre militaire de Cy Enfield. Michael Caine est parfait comme le pompeux lieutenant Gonville Bromhead, mais c’est Stanley Baker comme l’héroïque lieutenant John Chard qui capture vraiment le sentiment de panique qui a secoué le camp britannique ce jour étouffant en 1879.




Les Beatles dans A Hard Day’s Night de Richard Lester (1964)

30. Une dure journée (Richard Lester, 1964)

Plus de 50 ans plus tard, A Hard Day’s Night se sent toujours aussi frais et effronté que lors de sa sortie. C’est le premier et le meilleur des cinq films des Beatles, et suit le groupe lors d’un bref voyage de Liverpool à Londres, où ils jouent lors d’un concert télévisé. La séquence d’ouverture rappelle le cinéma français de la Nouvelle Vague prouvant, une fois de plus, la capacité des Beatles à voir une tendance approcher et à se glisser devant elle en souriant. Ses visions de la Grande-Bretagne et de la célébrité sont aussi particulières et vivantes qu’elles l’étaient il y a un demi-siècle, et tout cela reste d’une drôle de rigolade.

31. Le fichier Ipcress (Sidney J Furie, 1965)

Michael Caine incarne le sergent de l’armée Harry Palmer dans ce film d’espionnage graveleux qui se présentait comme l’antidote à la lueur fantastique de la franchise Bond. Palmer se retrouve au milieu d’un complot de lavage de cerveau chargé de paperasse, et doit lutter contre le temps pour se sauver et sauver ses collègues.

32. Accident (Joseph Losey, 1967)

À mi-chemin entre The Servant (1963) et The Go-Between (1970), Losey, cet expatrié américain et dissecteur intelligent du système de classe anglais, s’est également associé à Harold Pinter pour ce drame épineux de peccadilles extra-conjugales parmi les dons d’Oxford , joué par Dirk Bogarde et un Stanley Baker superbement insinuant. Avec son approche audacieusement expérimentale de la forme, c’est une énigme éclatée d’un film sur le crâne sous la peau de la vie provinciale distinguée. À chaque visionnement, elle révèle de nouvelles facettes, comme une boîte à puzzle déverrouillée progressivement en lui donnant un quart de tour différent.

33. Loin de la foule folle (John Schlesinger, 1967)

L’adaptation envoûtante de John Schlesinger aux nouveaux anneaux de Thomas Hardy aux rythmes de la vie rurale. L’histoire qu’elle raconte n’est pas seulement celle de Bathsheba Everdene (Julie Christie) et de son trio de prétendants imparfaits, mais aussi de la société frontalière qui soutient les quatre: ses chansons et traditions, et sa relation profonde avec le paysage. Le paysage du Dorset semble briller de l’intérieur (le directeur de la photographie est un pré-Walkabout Nicolas Roeg), tout comme la distribution à la mode – notamment de Frank Troy, un pantalon bien ajusté de Terence Stamp, qui est un scélérat pour les âges.

34. Si… (Lindsay Anderson, 1968)

La vision anarchique de Lindsay Anderson de la vie des écoles publiques anglaises se grave dans la mémoire même de ceux qui ne l’ont pas connue. C’est en partie grâce au scénario révélateur et choquant de David Sherwin, et en partie à Malcolm McDowell – avant la célébrité de A Clockwork Orange de Kubrick – dont l’anti-héros mécontent Mick Travis rôde dans les locaux majestueux avec menace et remplit les fantasmes sombres de beaucoup à l’écolier.




Vincent Price dans Witchfinder General de Michael Reeves (1968)

35. Général Sorcier (Michael Reeves, 1968)

Pas seulement un film d’horreur sans vengeance, mais quelque chose de proche d’un western britannique: il y a beaucoup de dynamisme dans la campagne du Suffolk et une bataille morale à gagner à grands frais. Ressuscitant la cruauté légendaire du chasseur de sorcières du XVIIe siècle Matthew Hopkins (un insatiable Vincent Price), le réalisateur de 24 ans Reeves, un an avant sa mort à cause d’une surdose, a transformé cela en une allégorie tonitruante sur la violence et ses capacités pour engendrer plus. La soif de sang insensée de la finale ne sera pas oubliée à la hâte.

36. Kes (Ken Loach, 1969)

Appeler Kes « intemporel » n’est pas tout à fait correct. Car c’est un film imprégné d’un temps et d’un lieu très particuliers. Il a été réalisé en 1969 par un réalisateur crédité de «Kenneth Loach»; quand des adolescents comme son héros aux ongles sales Billy Casper (David Bradley) lisaient toujours The Dandy et le sort le plus misérable qui pourrait arriver à un jeune adulte serait de travailler dans la mine. Maintenant, il pleure toujours son authentique chant de rage. En tant que Billy, David Bradley est éloquent en décrivant sa crécerelle et en touchant sa capacité à se sentir blessé. Il est aussi romantique que Antoine Doinel de Truffaut, et un étranger du Nord aussi durable et vital que Mark E Smith, Morrissey et Jarvis Cocker.

37. Performance (Donald Cammell, Nicolas Roeg, 1970)

Mick Jagger fait ses débuts d’acteur dans ce film policier sombre et tordu de Cammell et Roeg, mais ne vous attendez pas à un tel rock’n’roll. Au lieu de cela, le personnage de Jagger, Turner, un musicien solitaire, devient le ravisseur de Chas, un voyou sadique à la recherche de méchants plus méchants. La drogue, le sexe et la violence justifiaient des critiques mitigées lors de la première sortie de Performance, mais la mort de Cammell en 1996 est entrée en collision avec une réévaluation critique. Le fait que la performance ait influencé tout le monde, de Tarantino à la League of Extraordinary Gentlemen, a contribué à consolider sa position dans le cinéma britannique.

38. Get Carter (Mike Hodges, 1971)

En tant que gangster vengeur Jack Carter, Michael Caine retourne dans un lapin-warren Newcastle qui a cessé d’exister au cours des dernières années de régénération. Il n’y a pas de bons gars dans cette adaptation tranquillement captivante du roman de Ted Lewis de Jack’s Return Home en 1969, mais le directeur de la photographie Wolfgang Suschitzky fait ressortir la beauté austère du Nord-Est tout en capturant leurs tentatives de s’entre-tuer.

39. Une horloge orange (Stanley Kubrick, 1971)

Le drame policier dystopique de Stanley Kubrick, basé sur le roman d’Anthony Burgess, est une étude troublante de la délinquance juvénile. Malcolm McDowell donne un tour de force en tant que chef de gang sociopathe dont les tendances violentes l’atterrissent dans une expérience psychiatrique effrayante. Le film a été passé non coupé par les censeurs britanniques et a été nominé pour plusieurs Baftas et Academy Awards, mais après avoir été lié à une série de crimes contrefaits, Kubrick lui-même l’a retiré de la distribution. Ce n’est qu’après la mort de Kubrick en 1999 que le film a été mis à disposition au Royaume-Uni.




Oliver Reed dans The Devils de Ken Russell (1971)

40. Les Diables (Ken Russell, 1971)

Russell était déjà l’enfant terrible du cinéma britannique, grâce à ses biopics de musique folle et à Women in Love sexuellement franche (1969). Puis j’ai laissé tomber cette énorme charge d’anarchie orgiaque juste devant le nez de l’établissement. Warner Brothers a refusé de la divulguer sans coupure: la scène où des religieuses dérangées agressent sexuellement une statue du Christ est sortie, et la plupart de celle où Vanessa Redgrave se masturbe avec l’os du fémur carbonisé d’Oliver Reed. Il ne ressemble à rien d’autre, maintenant restauré et à juste titre salué comme le film Russellest de tous.

41. Bill Douglas Trilogy (Bill Douglas, 1972–8)

Oresteia du cinéma écossais: un sommet, en trois parties. À partir de la matière première – comme de la matière écorchée – d’une éducation extrêmement appauvrie dans les années 1940 Newcraighall, au sud-est d’Édimbourg, Douglas a réalisé une poésie tendre en noir et blanc, en commençant par My Childhood (1972) et en continuant par My Ain Folk (1973) et My Way Home (1978). La fortune de Jamie (Stephen Archibald) de 10 à 16 ans fait de ce Boyhood avec des borstals: il y a du grain sous ses ongles, et une vision de la négligence qui ne se fanera pas, mais aussi de la sublimité dans les minuscules satisfactions qu’une journée peut apporter.

42. Ne regardez pas maintenant (Nicolas Roeg, 1973)

Ce qui commence comme une méditation sur le chagrin se termine par l’une des histoires de fantômes les plus effrayantes et dévastatrices de l’histoire du cinéma britannique. Donald Sutherland et Julie Christie, alors un vrai couple, incarnent les parents d’un enfant décédé qui part en voyage de guérison dans la Venise hivernale, pour vivre d’étranges prémonitions et des rappels constants de leur tragédie. Le dénouement, en particulier ce mac en plastique rouge, est terrifiant.

43. L’homme en osier (Robin Hardy, 1973)

Christopher Lee est étrangement étrange en tant que Lord Summerisle dans ce mystère d’horreur. Un policier profondément chrétien (Edward Woodward) tente d’enquêter sur la disparition d’une fille d’une communauté païenne sur une île écossaise isolée. Mais il trouve le chef impérieux de l’île (Lee, dans l’un de ses plus grands rôles) et ses habitants secrets peu utiles. Britt Ekland joue également le rôle principal.

44. Barry Lyndon (Stanley Kubrick, 1975)

L’adaptation par Kubrick du roman de Thackeray en 1844, La Chance de Barry Lyndon, un picaresque satirique sur la fortune et le voyou irlandais affamé, a poussé l’ambition technique du réalisateur vers de nouvelles limites. Déterminé à tourner le moins de scènes possible sans lumière électrique, Barry Lyndon est consciemment une pièce de musée. Soumis au régime tristement célèbre du réalisateur, qui prend de nombreuses prises de vue ardues, les visages des acteurs illuminent le film et l’époque, comme une série de beaux portraits à l’huile soigneusement accrochés. Le casting de Kubrick a peut-être été obligé de s’asseoir pendant ces jours et semaines, mais personne ne pouvait dire que les résultats n’en valaient pas la peine.




Herbert Norville dans Pression d’Horace Ové (1976)

45. Pression (Horace Ové, 1976)

En tant que premier membre de sa famille à être né en Grande-Bretagne, l’adolescent Tony (Herbert Norville) trouve deux mondes très différents le bousculant de chaque côté: son héritage trinidadien d’un côté, le rêve de la classe moyenne anglaise de l’autre. Le premier long métrage d’Horace Ové demeure une exploration aussi vivante, honnête et humaine de l’expérience des Britanniques noirs qu’au milieu des années 1970. C’est le dernier grand film (et peut-être aussi le plus sous-estimé) de la British New Wave.

46. ​​La vie de Brian (Terry Jones, 1979)

Cette comédie hystérique sur un Messie accidentel n’a suscité aucune controverse lors de sa sortie en 1979. C’était le deuxième film de Monty Python, sorti quatre ans après Le Saint Graal, et racontant l’histoire d’un homme juif qui était né le même jour comme Jésus et est plus tard confondu avec le prophète. Le ton mordant mais optimiste du film et la satire religieuse ont suscité des accusations de blasphème et ont même été interdits dans une poignée de pays.

47. Radio On (Christopher Petit, 1979)

Un voyage sur la route et un état d’esprit, un temps et un lieu – la fin des années 1970, avec Thatcher juste dedans – et un exercice hypnotique de course à pied qui prospère en n’ayant pratiquement aucun complot du tout. Un DJ joué par David Beames conduit de Londres à Bristol, après que son frère soit retrouvé mort dans un bain. Empruntant un assistant caméra de Wim Wenders, Petit en fait une déclaration résonnante sur les certitudes qui se sont égarées, et avec Kraftwerk, Eno et la version allemande de Heroes de Bowie sur la bande sonore, cela ressemble à une carte-mémoire auditive pour le moment.

48. Le long Vendredi saint (John Mackenzie, 1980)

Quiconque est las du geezer britannique films de gangsters des années 90 et 2000 devrait remonter une décennie à cet exercice magistral de cinéma cinématographique, qui est autant un véhicule pour Helen Mirren que pour Bob Hoskins. Il y a un parallèle élégant entre le moll de Michelle Pfeiffer dans Scarface et Mirren, épouse du gangster de Hoskins Harold. Mais là où Pfeiffer s’est retrouvé couvert de cocaïne et de traumatismes, l’élégance de Victoria est plus qu’un match contre Harold, un gangster de l’East End qui a fait une tentative très bâclée pour devenir légitime. Méfiez-vous de Pierce Brosnan et Daragh O’Malley (Bond et Sharpe’s Sergeant Harper) dans les premiers rôles de tueur à gages de l’IRA, ainsi que du caméo enfant presque obligatoire de Dexter Fletcher.

49. Gregory’s Girl (Bill Forsyth, 1981)

Y a-t-il jamais eu un film plus charmant que Gregory’s Girl? Il ne contient peut-être pas beaucoup de blagues et il n’y a qu’un ou deux moments de rire, mais presque chaque scène vous fait sourire. De l’ouverture, dans laquelle un écolier affamé de sexe s’évanouit hors caméra à la vue d’une infirmière retirant son soutien-gorge, à la séquence de clôture, dans laquelle Gregory (John Gordon Sinclair) et sa nouvelle petite amie dansent dans le parc en position couchée, le film est rempli de bizarrerie et, bien, de charme. Gregory’s Girl a mis le réalisateur écossais Bill Forsyth sur la carte. Il a continué à faire de plus grands films, mais il n’a jamais trouvé un mélange plus engageant de comédie décalée, de chaleur et de perspicacité dans les particularités de l’esprit adolescent.




Ian Charleson dans Les chars de feu de Hugh Hudson (1981)

50. Chariots of Fire (Hugh Hudson, 1981)

Le biopic de Hugh Hudson, oscarisé, est aussi sincère et courageux que les deux hommes en son cœur: Eric Liddell (Ian Charleson), le coureur olympique stimulé par sa foi chrétienne, et Harold Abrahams (Ben Cross), son coéquipier juif marginalisé par son . Quel que soit le décor nostalgique du film des années 1920, il ne s’agit probablement pas d’une électronica plangente du génie du clavier grec Vangelis, mais cette inadéquation inspirée du son et de la vision ne fait que renforcer le sentiment que l’histoire dont nous sommes témoins est intemporelle.

51. Le contrat du dessinateur (Peter Greenaway, 1982)

Spectaculeusement original, The Draughtsman’s Conrtact semblait annoncer un nouveau talent palpitant de Peter Greenaway. Un artiste (Anthony Higgins) est chargé de dessiner un domaine du XVIIe siècle sous 12 angles différents à différents moments de la journée pour une modeste allocation et 12 faveurs sexuelles de Mme Herbert (Janet Suzman), la dame du manoir. Mais Greenaway applique une sensibilité surréaliste à un format de genre tout à fait conventionnel, le mystère du meurtre de maison de campagne. Le public reste dans l’ignorance du mystère de ce chef-d’œuvre mineur d’un excentrique anglais accompli.

52. Withnail et moi (Bruce Robinson, 1987)

Withnail et moi sommes des acteurs au chômage louche qui vivent dans la misère et se boivent bêtement. La livraison par Grant de marmonnements mordants est superbe. Les répliques, du scénario semi-autobiographique de Bruce Robinson, sont une joie étrange et impliquent principalement la boisson et la gueule de bois inévitable. Une évasion de la misère urbaine à Camden les fait atterrir dans la misère rurale de Cumbria. Pour ajouter au chaos, il y a un taureau effrayant, un braconnier malveillant et un oncle Monty coquin (Richard Griffiths), qui se présente de manière inattendue avec des dessins amoureux sur un I. décidément peu disposé.Jadis considéré pendant de nombreuses années comme un film culte, Withnail et Je me présente maintenant comme l’un des meilleurs films britanniques des années 80. Comment ne pas aimer un film avec la phrase: « Ne me menace pas avec un poisson mort »?

53. Distant Voices, Still Lives (Terence Davies, 1988)

Le portrait lyrique de Terence Davies sur la vie familiale de la classe ouvrière d’après-guerre à Liverpool est difficile mais gratifiant. Des plans soigneusement composés dépeignent une tension alarmante entre les genoux de pub et la violence domestique. Pete Postlethwaite joue le père endommagé Tommy, dont les coups brutaux sont rendus plus sévères par les tensions d’Ella Fitzgerald’s Taking a Chance on Love.

54. Howards End (James Ivory, 1992)

L’une des plus belles collaborations d’Ismail Merchant et James Ivory, cette adaptation du roman d’EM Forster sur une famille obsédée par la classe a remporté neuf nominations aux Oscars. Emma Thompson, qui en a remporté un pour son portrait de «pauvre parent» Margaret Wilcox, porte ce somptueux film.




Tilda Swinton dans Orlando de Sally Potter (1992)

55. Orlando (Sally Potter, 1992)

L’adaptation ambitieuse de Sally Potter du voyage de Virginia Woolf en 1928 à travers l’histoire de l’anglais, basée sur l’histoire familiale de son amie et amante Vita Sackville-West, a amené les événements de l’histoire jusqu’au jour actuel du film de 1992. Tilda Swinton joue le rôle principal le noble éponyme de la cour élisabéthaine. La reine vieillissante, jouée par Quentin Crisp, promet à Orlando un château et des terres à condition qu’il « [does] pas vieillir.  » At her command, Orlando lives on for centuries, but encounters trouble keeping the entitlement to his land when he wakes up one day as a woman.

56. The Remains of the Day (James Ivory, 1993)

Emma Thompson was reunited with Merchant Ivory for this meticulous imagining of Kazuo Ishiguro’s novel of the same name. Thompson won another Oscar nomination for her performance as sensitive housekeeper Miss Kenton, who attempts to find the human side of obsessively devoted butler Mr Stevens (Anthony Hopkins, also Academy Award-nominated for the role). Combining impeccable acting with upstairs, downstairs and an inter-war period, it’s a near-perfect British film.

57. Naked (Mike Leigh, 1993)

The Angry Young Man has never been angrier than in David Thewlis’s blistering performance as Johnny, a sour but clever cynic who wanders aimlessly through nocturnal London, insulting everyone he meets. Mike Leigh’s characters are often full of pent-up rage, but here it comes bubbling to the surface in an emotional explosion.

58. Four Weddings and a Funeral (Mike Newell, 1994)

Written by Richard Curtis at the peak of his powers, this story of a group of friends and their endless trails round dreadful Home Counties weddings is an absolute joy. Sharper, wittier and sweeter than you remember – this also applies to leading man Hugh Grant – it strikes the perfect balance between hilarity and heartbreak. As much as paean to friendship as it is to the eccentrities of British poshness, Four Weddings is one of the all-time great comedies. A sole mis-step in casting Andie McDowell as Grant’s phenomenally wet love interest can be forgiven.

59. Sense and Sensibility (Ang Lee, 1995)

There’s lots that makes Ang Lee’s Sense and Sensibility one of the best Austen adaptations around, from a glittering Best-of-British cast (including Hugh Grant and Alan Rickman), to a script that retains some of the acidity of the original novel. But the most compelling reason to watch of all is Emma Thompson. Alongside Kate Winslet’s impulsive Marianne, Thompson is an absolute delight as level-headed heroine Elinor, the “sensible” sister. Watching her overcome by emotion at the end of the film, when she realises that she hasn’t lost her longterm love-interest for good, is pure cinematic cartharsis.




Ewan McGregor in Danny Boyle’s Trainspotting (1996)

60. Trainspotting (Danny Boyle, 1996)

Choose life. Choose a job. Choose a career. In fact, do what the hell you want but for God’s sake find the time to watch Danny Boyle’s hilarious, heart-breaking tale of sex, drugs (a few more drugs) and rock ’n’ roll. Adapted from Irvine Welsh’s novel, the film follows five party-loving wastrels trying to make sense of their dead-end existence in mid-Nineties Edinburgh. Boasting the finest soundtrack in 20 years and a cast that includes Ewan McGregor and Robert Carlyle, Trainspotting is a life-affirming wonder.

61. Secrets & Lies (Mike Leigh, 1996)

Cannes was impressed with Brenda Blethyn’s performance in Secrets & Lies, in which she plays Cynthia, a weary, troubled, over-emotional single mother whose burden is increased considerably when the 30-ish Hortense (Marianne Jean-Baptiste) turns up out of the blue with the news that she is Cynthia’s daughter. Surely some mistake, thinks Cynthia, especially since she is white and Hortense is black. But, no, there has been no mistake. Serious issues are addressed, but – and this is typical of Leigh’s films – that doesn’t mean it isn’t funny and heart-warming, too.

62. Gallivant (Andrew Kötting, 1996)

A family drive around the English, Welsh and Scottish coastlines becomes a camper-van trip to the outermost fringes of Britishness in Andrew Kötting’s surreal and soul-nourishing documentary. The director goes on the road with his 87-year-old grandmother Gladys and his seven-year-old daughter Eden, born with a rare and potentially life-shortening genetic disorder, for possibly the last shared journey the three will make. But though mortality looms on the horizon, the film throbs with life and fun, delighting in the songs, traditions and folklore the trio encounter on their meandering quest.

63. The Full Monty (Peter Cattaneo, 1997)

This gritty comedy based in post-industrial Sheffield experienced as much of a rags-to-riches journey as its characters: made with a tiny budget of £3 million, the story of former steel workers stripping for a better life captured the nation’s imagination – bringing with it box-office earnings of £170 million. Simon Beaufoy’s script brought issues of suicide and homosexuality side-by-side with quintessentially British tokens: garden gnomes and building-society books.

64. The Wings of the Dove (Iain Softley, 1997)

Henry James is notoriously difficult to adapt well, but this is the darkly shimmering exception, thanks to Hossein Amini’s shrewd wrangling of ambiguity in the script. Helena Bonham Carter still hasn’t topped Kate Croy, conniving but also trapped by her circumstances, as a leading role; the masquerade of her and Linus Roache’s motives makes the film a psychological thriller of sorts. Softley directs the Venice sequences with bewitching gamesmanship, then tears your heart out at the end.




Ray Winstone in Gary Oldman’s Nil by Mouth (1997)

65. Nil by Mouth (Gary Oldman, 1997)

Gary Oldman made his directorial debut with this unflinching portrait of life in a London family. Bleak, violent and foul-mouthed, it’s the story of people battling their way through miserable lives that are all they’ve ever known. Ray Winstone and Kathy Burke star as spouses locked in a cycle of abuse. One of the toughest films to watch.

66. A Room for Romeo Brass (Shane Meadows, 1999)

Director Shane Meadows proved his mettle with his second film, a seemingly lackadaisical tale of two 12-year-old Nottinghamshire lads (Andrew Shim and Ben Marshall) whose friendship is upended when unemployed sad-sack Morell starts hanging out with them. Meadows coerces funny and touching performances from the two youngsters (Shim, incidentally, would go on to play the friendly Milky in Meadows’s This is England series), but it’s Paddy Considine, in his first professional acting role, who shapes a thoroughly believable creation in the nasal Morell, balancing a goofy likeability with an ominous instability.

67. Ratcatcher (Lynne Ramsay, 1999)

Lynne Ramsay’s 1999 debut feature won its director the Carl Foreman Award for Newcomer in British Film at the Bafta Awards. The film follows a 12-year-old boy, Jamie, growing up in Glasgow in 1973.

68. The House of Mirth (Terence Davies, 2000)

Terence Davies’s adaptation of Edith Wharton’s 1905 novel charts the unjust downfall of New York City socialite Lily Bart, played by a never-better Gillian Anderson, at devastating close quarters. Davies’s film doesn’t linger on period set-dressing: the interiors it’s more fascinated by are those of its characters, with sustained close-ups revealing what’s concealed within their souls. Very different in habitat from Davies’s early, Liverpool-set work, it nonetheless shares those films’ elegance and patience, and sharp awareness of the power of social status.

69. Topsy-Turvy (Mike Leigh, 2000)

The film no-one thought Mike Leigh could pull off has become one of the director’s defining achievements – an elegant, eccentric period drama about the making of The Mikado without a kitchen sink in sight. Jim Broadbent gives a career-best performance as the librettist WS Gilbert, whose creative partnership with Arthur Sullivan (Allan Corduner) has run aground – but, inspired by an exhibition of Japanese art and culture, he sets about writing what would prove to be his masterpiece. With an enormous, uniformly wonderful ensemble cast, who perform Leigh’s dialogue like music.




Alan Bates and Sophie Thompson in Robert Altman’s Gosford Park (2001)

70. Gosford Park (Robert Altman, 2001)

Years before Downton Abbey took the world by storm, Julian Fellowes brought country estates, service and Maggie Smith to the screen in this successful period drama. Kristen Scott Thomas, Charles Dance, Stephen Fry, Richard E Grant, Michael Gambon, Helen Mirren and Derek Jacobi join Smith in an enormous ensemble cast, who are brought together in a murder mystery after an American filmmaker (Bob Balaban) arrives at Gosford to observe British aristocracy.

71. Shaun of the Dead (Edgar Wright, 2004)

Simon Pegg and Edgar Wright’s British zombie comedy, which pays homage to George A Romero’s Dawn of the Dead, is hilarious, smart and, towards the end, nail-bitingly tense. Shaun (Pegg), a Londoner in a dull job and a fractious relationship, finds his humdrum routine disrupted when almost everyone else in the country turns into a zombie. There’s a special geeky pleasure in spotting all the film buff in-jokes.

72. Black Sun (Gary Tarn, 2005)

The French writer and artist Hugues de Montalembert was blinded in 1978, at age 35, when a drug addict in New York threw paint-stripper in his face. “It was like falling into a pot of dark honey”, he says of slipping into sightlessness. Gary Tarn’s remarkable documentary has him recount all the adjustments he had to undergo, and his new experience of the world as a blind person. Meanwhile, every image in his film’s experimental tapestry of visuals makes us meditate on what it means to see.

73. Deep Water (Louise Osmond and Jerry Rothwell, 2006)

Narrated by Tilda Swinton, Deep Water is a gravely compassionate and piercingly sad account of Donald Crowhurst’s fate in the 1968 round-the-world yacht race. Crowhurst was a weekend sailor and amateur inventor, whose curious, reticent personality the British media took to their hearts. It quickly became clear that he hadn’t a snowball’s chance in hell of winning, and his best hope of coming out of the race with his pride intact was merely completing the circumnavigation as planned. But at a certain point – was it in the Sargasso, or the Bermuda Triangle? – he couldn’t face turning back. Before vanishing at sea, he scrawled more than 25,000 words in his logbook, and the window these records open on his unravelling mind is devastating.

74. Unrelated (Joanna Hogg, 2007)

Unrelated is an emotionally and sometimes wince-inducingly acute debut that looks and feels and sounds like few other British films. That’s partly to do with its setting (Tuscany), its social milieu (the characters are all solidly, unashamedly middle-class), and its story – a subtle and largely internal journey on the part of a middle-aged married woman who has been invited by her oldest friend Verena to stay at an Italian holiday villa.




Chris Evans in Danny Boyle’s Sunshine (2007)

75. Sunshine (Danny Boyle, 2007)

Despite having a questionable final act, this gripping tale of a space crew sent to detonate a nuclear bomb in the heart of the dying sun in order to save humanity does not lack ambition. It seldom looks anything less than stunning, the mood is close to eerily spiritual throughout, and it’s a testament to what can be done with a reduced special-effects budget.

76. Sleep Furiously (Gideon Koppel, 2008)

Gideon Koppel’s documentary about vanishing ways of life in the remote Welsh farming community of Trefeurig is a patchwork quilt of beautiful images, snug and lovingly stitched. Two lines of sheep file across a rain-darkened field; a plump, yellow mobile library winds down valley roads; a town cryer pads along a lane, ringing his bell at no-one in particular. The title comes from a grammatically correct but meaningless sentence formulated by Noam Chomsky, and suggests a deep, underlying order to the everyday activities Koppel’s camera observes.

77. Hunger (Steve McQueen, 2008)

The 1981 Maze Prison hunger strikes, in which provisional IRA member Bobby Sands famously died, gave McQueen his first subject for a feature – as scalding, uncompromising and intellectually rigorous a debut as any British filmmaker has managed in decades. Michael Fassbender devotes himself body and soul to the role, but it’s the long-take rigour of McQueen’s directorial approach, reprised harrowingly in 12 Years a Slave, that makes you feel the slow-drip agony of solitary confinement and self-inflicted annihilation.

78. Fish Tank (Andrea Arnold, 2009)

Andrea Arnold works wonders almost everywhere in this film: the drip-drop drabness of kitchen-sink drama is stilled, alive, and newly dangerous. Set in an Essex housing estate, 15-year-old Mia (Katie Jarvis) tussles with her single mother (Kierston Wareing), who wants to pack her off into juvenile care. Entering the fray is Michael Fassbender, who delivers a spellbinding turn, and the film shifts gears unmistakably whenever it’s around him.

79. Weekend (Andrew Haigh, 2011)

Easily the most authentic film in a generation about British gay life, but also a tender, open-hearted romance about sudden connection and ideas of belonging. Tom Cullen and Chris New play two young guys in Nottingham who pick each other up in a bar, and realise there’s something more between them than the usual substance-fuelled, bleary attraction. Haigh’s film captures the nervous rhythms of a new mutual crush beautifully, but also makes their pillow-talk dig bravely down into the loneliness and frustration of contemporary gay culture.




Michael Smiley (r) in Ben Wheatley’s Kill List (2011)

80. Kill List (Ben Wheatley, 2011)

Jay (Neil Maskell), a soldier-turned-hitman jaded by the unspecified horrors of a previous assignment, is hired to carry out a string of executions – a priest, a librarian, and an MP – although his client seems to have even bigger things for him in mind. Ben Wheatley’s blood-freezing state-of-the-nation horror film grabs hold of a familiar British kitchen-sink setting – drab housing estates, fading business hotels – and wrenches it out of its socket, creating an atmosphere of hyperreal panic and dread.

81. Berberian Sound Studio (Peter Strickland, 2012)

Sound is a sacrament in the Berberian Sound Studio: it enters innocuously through the ears before transubstantiating into something more sinister. That might be the most straightforward way of describing what happens in this thrillingly unstraightforward film from the English director Peter Strickland about the odd goings-on in a fusty Italian post-production suite.

82. The Selfish Giant (Clio Barnard, 2013)

The Selfish Giant, the second feature by the English filmmaker Clio Barnard, is a brilliant and soul-scouring fable about scrap men and scrap children; two outcast generations doomed to forever sift through life’s rubbish dump. So hauntingly perfect is Barnard’s film, and so skin-pricklingly alive does it make you feel to watch it, that at first you can hardly believe the sum of what you have seen: the astonishingly strong performances from her two young, untutored leads; Barnard’s layered script; Mike Eley’s snow-crisp cinematography that makes the streets of Bradford shine.

83. Under the Skin (Jonathan Glazer, 2013)

Nine years in the making and worth every microsecond of its torturous development, Jonathan Glazer’s science-fiction horror film shows us Britain from the ultimate outsider’s perspective. Scarlett Johansson plays a nameless alien creature who’s harvesting men for their meat, seducing them into her transit van and taking them to be pulped. The early hunting scenes, shot undercover in Glasgow, have a skin-tightening coldness to them, but then the alien starts warming to her prey – a flicker of humanity that alters the course of her mission. Indelible images, sounds and ideas come in such quick succession they leave you reeling. Not that you’d ever want to, but this is not a film that can be shaken off.

84. Four Lions (Chris Morris, 2010)

This brilliant farce by satirist Chris Morris, which finds the funny side of terrorism, was met with controversy on its release, and shows no signs of losing its bite. It charts the journey of five hapless British would-be jihadists, including family man Omar (Riz Ahmed), as they plan a mass suicide attack. What ensues is a comedy of errors, as they all are distracted on their road to paradise.




John Boyega (centre front) et al in Joe Cornish’s Attack the Block (2011)

85. Attack the Block (Joe Cornish, 2011)

A gang of inner-city youths come face-to-face with a deadly alien invasion in this sci-fi horror film written and directed by Joe Cornish. The gang’s south London housing estate is suddenly transformed into an extraterrestrial battlefield as the kids try to defend their turf. It’s fast, funny, at times frightening, and has a sharp and intelligent script.

86. Mr Turner (Mike Leigh, 2014)

Mike Leigh’s biopic of the great Victorian artist features Timothy Spall’s finest performance since Secrets & Lies. We begin in 1826, with Turner 51 years old and in the ascendant. Spall makes him tenderly human; this has the effect of making his talents seem even more God-given. The lisping John Ruskin is hilariously played by Joshua McGuire. It’s a subtle and observant piece of film-making – one of Leigh’s very best.

87. 45 Years (Andrew Haigh, 2015)

Charlotte Rampling has never been better than in Andrew Haigh’s follow-up to his acclaimed indie film Weekend. A couple (played by Rampling and Tom Courtenay) are celebrating their wedding anniversary when news of an old flame causes a cold nugget of realisation to sink to the bottom of their marriage and stay there. This story is about whether the knowing or not knowing is more injurious.

88. Shaun the Sheep Movie (Richard Starzak and Mark Burton, 2015)

Aardman’s beloved TV character is a gloriously crackpot, silent comedy wonder, tickling the same neglected folds of your brain and gut as Chaplin, Keaton, and Laurel and Hardy. In this fun-packed tale, Shaun and his flock scour The Big City for their suddenly amnesiac farmer.

89. The Lobster (Yorgos Lanthimos, 2015)

Yorgos Lanthimos’s comedy stars Colin Farrell as David, whose wife is leaving him – bad news in this dystopian world where singletons must find a mate within 45 days or be transformed into an animal. He’s carted off to a spa resort for processing where Olivia Colman’s manager delivers some coldly hilarious lines. The emotions that the film stirs and the fallacies it attacks are all too real.




Sasha Lane and Shia LaBeouf in Andrea Arnold’s American Honey (2016)

90. American Honey (Andrea Arnold, 2016)

Shia LaBeouf has never looked worse or acted better than in Andrea Arnold’s rapturously scuzzy road movie. A bunch of magazine sellers, including LaBeouf and magnetic newcomer Sasha Lane, embark on a trip so scrappily open-ended that almost anything goes; but it’s the lack of rigid narrative structure that makes it an electrifying experience.

91. Love & Friendship (Whit Stillman, 2016)

Whit Stillman’s adaptation of an early Austen curio, her long-unpublished epistolary novel Lady Susan, opens out the adulterous games of Austen’s surprisingly risqué text and elaborates on them with impish, often breathlessly funny verve. Kate Beckinsale springs back to form with a deliciously controlled performance.

92. Under the Shadow (Babak Anvari, 2016)

What begins as a story of wretched life in 1980s Tehran soon develops into something more darker and weirder: a paranormal horror tale that sees Shideh (Narges Rashidi) and her daughter Dorsa (Avin Manshadi) terrorised by a malevolent djinn. Or are they? Partly a parable of life in wartime, partly a straight-up scareathon, this will have your heart and head thrumming alike.

93. Notes on Blindness (Peter Middleton and James Spinney, 2016)

When professor John Hull realised that he was losing his sight, he determined to understand his condition so that it wouldn’t destroy him. He kept an audio recording detailing how his way of seeing the world was transformed. Peter Middleton and James Spinney’s intelligent and reflective film dramatises Hull’s inspiring journey.

94. Dunkirk (Christopher Nolan, 2017)

Director Christopher Nolan takes a novel approach to the Dunkirk evacuation. Told through three separate perspectives, taking place in the air, the sea and on land, the film is a disorientating, dazzling, superbly crafted tribute to their bravery. Tom Hardy, Kenneth Branagh, Mark Rylance and Harry Styles are among the cast.




Alec Secăreanu and Josh O’Connor in Francis Lee’s God’s Own Country (2017)

95. God’s Own Country (Francis Lee, 2017)

Gheorghe (Alec Secăreanu) is a handsome Romanian farmhand who arrives in Yorkshire for lambing time; Johnny (Josh O’Connor) is the 24-year-old son of the ailing sheep farmer (Ian Hart) to whose estate Gheorghe comes. Johnny is suspicious of the hand at first, calling him “gypsy”, but both men are gay, and the tension between them steadily rises, à la Brokeback Mountain, to a boil.

96. Phantom Thread (Paul Thomas Anderson, 2017)

Paul Thomas Anderson’s exquisite work finds Daniel Day-Lewis (in what he’s since declared his final film) as Reynolds Woodcock, a Fifties couturier with a muse (Vicky Krieps) who’s bad news. Reynolds’s sister Cyril (Lesley Manville) serves as the third point of their rather uneasy domestic triangle. The film is an instant classic, with hints of Alfred Hitchcock but a strangeness all of its own.

97. The Favourite (Yorgos Lanthimos, 2018)

Olivia Colman, playing Queen Anne, won a Best Actress Oscar for this period comedy from renowned absurdist Yorgos Lanthimos, who finds himself very much at home in the court of the Restoration. Emma Stone and Rachel Weisz co-star as Anne’s courtiers, trying every trick in their corsets to come out on top. The Favourite is warped, wily, sexy and ticklish – an uproarious history lesson.

98. Ray & Liz (Richard Billingham, 2018)

In a quiet corner of Charles Saatchi’s 1997 Sensation show was a collection of snapshots from another world. Taken by the photographer Richard Billingham, they documented the goings-on in his parents’ putrefying West Midlands tenement flat. Billingham’s work, a vision of a Britain haunted by itself, got into the cultural bloodstream. So in a sense, his directorial debut brings things full circle. This autobiographical period piece is often darkly funny, though describing it as comedy wouldn’t feel quite right.

99. The Souvenir (Joanna Hogg, 2019)

In Eighties London, a naive film student is seduced by a chalk-striped civil servant. Joanna Hogg’s formally dazzling period piece is superbly acted; its breath-catching intimacy belies its state-of-the-nation oomph.

100. For Sama (Waad Al-Kateab, Edward Watts, 2019)

“Where are your parents?” asks a doctor. “Dead, I think,” responds a teenage boy, covered in dust and debris. The stakes in Syria are made clear in this astonishing, visceral documentary from Syrian journalist Waad al-Kateab, structured as a love letter to her daughter Sama, who was born in the midst of the Battle of Aleppo.

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Article Aléatoire

La lithothérapie, c’est quoi? pierres de lithothérapieLes parmi pierres s’appellent la lithothérapie, ces approche holistique de soin est basée sur l’influence subtile que peuvent apporter des minéraux. Des somme de individus s’aident de pierres, autant de individus avec autant de réussites. Trouvez des pierres de lithothérapie dans la boutique essencedegaia.fr. Pour comprendre le fonctionnement de la lithothérapie, il faut dans un premier temps reconnaître l’existence d’énergies non visibles qui composent et qui composent tout ce qui est manifesté,

une aura d’énergie qui est aussi réelle que ce que vos yeux vous permettent de voir du plan physique. Ces énergies subtiles qui nous composent sont symptôme de état d’être aux niveaux émotionnel, mental et spirituel.

Si nous changeons d’émotion changeons la fréquence vibratoire de émotionnel. Les minéraux ont une énergie forte avec des caractéristiques très marquées relativement à composition et cristallisation, une énergie subtile et stable qui est utilisée en lithothérapie pour influencer notre corps subtile et obtenir des améliorations de état d’être.

La portée de ces améliorations est à prendre comme des aides agissant à des niveaux différents versus la pierre utilisée. cristal d’amétyste pierre pensée de lithothérapieC’est un moyen de soin holistique a une interaction à totaux les quantités de l’être. L’action se fera chez sur système d’énergies subtiles ensuite selon interaction, se transmettra à nos autres squelette de manifestation qui sont en relation avec le type d’énergie de la pierre, en or phase physique, émotionnel, mental et spirituel.
Ongoulet des pierres de santé, qui seront en relation avec besoin, pour rétablir une harmonie, pour « soigner » un problème, aider par exemple à des troubles digestifs, près le stress, pour favoriser la guérison, réduire douleurs, dynamiser un organe, retrouver le sommeil, lutter à l’encontre de les migraines, permettre de passer de providentielles nuits réparatrices, … Le terre d’applications n’a pas de limites.

Au cran de l’efficacité elle est pas mal variable et dépend principalement de de de deux ans ans points: la profondeur du problème et la spécificité de la personne. Peu importe la croyance de la personne, la lithothérapie n’est pas un placebo, que l’on croie et pourquoi pas pas aux effets des pierres, elles vont avoir un effet. Par contre, un individu qui est d’un naturel à se protéger, qui n’accepte pas idées nouvelles, qui a du mal à remettre en interrogation ses croyances, ces personnes vont avoir du mal à ressentir des effets rapidement. Cet état d’esprit fondée comme une barrière de défense énergétique qui empêche d’être positivement influencé chez énergies bienfaisantes des pierres. Tout n’est pas et pourquoi pas noir, finis degrés d’ouverture d’esprit existent dans l’hypothèse ou bien qu’une personne ne existera jamais 100% fermée ni 100% ouverte. Notre réceptivité varie aussi fortement en fonction de notre état d’être du imminent présent.

. druse de cristal de roche, recharge en lithothérapieOn utilise des pierres de soin également pour améliorer des capacités, en revanche pour aider à la méditation, pour remettre plus endurant dans l’effort physique, pour augmenter une joie de qui est autrefois bien présente, ainsi qu’à pour développer l’intuition. Les pierres utilisées sont généralement des minéraux semi précieux ou précieux de cristaux, travaillés en pierres polies, ou laissés à l’état naturel en pierre brute. Les pierres polies sont privilégiées en lithothothérapie quant au côté pratique, dans la poche d’un vêtement, l’état raffiné est agréable et n’abîme pas le tissu.

Une qu’une pierre vous à transmis son énergie, aura besoin d’être purifiée et rechargée au bout d’un soudain afin qu’elle retrouve toutes ses capacités. À ce suje,t vous avez la possibilité consulter articles sur la purification et sur le rechargement. La lithothérapie peut avoir une forte influence sur état d’être dépourvu toutefois qu’elle ne remplace une consultation chez un médecin, c’est une aide additionnelle qu’apporte cette thérapie alternative.

Pour décourir sapience de chacun pierre, vous verrez une grande liste à droite de cet page, aussi des sujets utiles pour utiliser les pierres en soins, Bonne lecture! La lithothérapie a avant apporté beaucoup à énormément de individus à travers le monde, pourquoi pas à vous? Qu’est ce que la lithothérapie ? Aujourd’hui, la lithothérapie est expansé sur la planète entier, tout en or moins dans son connaissance originel qui est l’utilisation des pierres. À titre d’exemple, l’industrie s’est emparé du quartz pour utiliser ses propriétés vibratoires, doté d’une fréquence à la fois légitime et unique, pour créer des montres. Qui ne possède ou n’a possédé en or cours de ces dernières années une montre à quartz ? Nous ne parlons pas non plus des parures de joyaux en pierres naturelles selon lesquelles nous avons été attirés pendant leur beauté. Pas dans l’hypothèse ou loin que cela à l’époque, à nous aïeux offraient régulièrement cadeaux naturels de la nature, connaissant exactement leurs bienfaits et vertus. Au dehors des symboles, quantités infinitésimales de minéraux intéressent chercheurs contemporains pour leur densité et leur condensé de propriétés.

Dans un registre plus spirituel, nous entendrons un peu marmonner de vertus des pierres mais deux reposent sur cet même thèse qu’est la composition chimique de chacun minéraux et de son impact sur son environnement.

Des résultats sont aujourd’hui prouvés, au travers de la magnétothérapie qui s’appuie sur la connaissance de la magnétite dans un d’autoguérison. Les sédatives de la pierre d’aimant permettent ainsi un redoublé dans ce cadre bien précis.

Dans un parallèle similaire, le cuivre a aussi des reconnues thérapeutiquement. Aujourd’hui, de nombreux chercheurs s’accordent pour dire que l’impact vibratoire et énergétique des pierres sur notre psychisme et physique est issu d’une analogie structurelle. Quotidiennement, des éléments minéraux essentiels sont ingérés pour équilibre structurel. Ainsi, déposer une pierre au creux de sa main mais aussi porter un bijou en pierres naturelles disposant des appropriés peut s’avérer essentiel pour pallier à ce manquement.

La pierre en interrogation déclenche or contact de la peau une résonance vibratoire singulière qui va stimuler les minéraux organiques, retirant de potentiels dysfonctionnements corporels. Chaque minéraux leste d’une intervalle unique et offre ainsi une activation des milieu énergétiques (chakras).

Cette interlude va varier compte tenu de sa composition chimique, de sa structure cristalline et de sa couleur. La pierre ainsi qu’à le minéral en interrogation disposera ainsi de particuliers et a pour objet de réguler une partie de corps, ensuite de retrouver son équilibre fonctionnel.

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